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Le jour. D'après fred sabourin

Articles avec #chronique cinema tag

Été 85 : j'irai danser sur ta tombe...

28 Juillet 2020 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Les histoires d’amour finissent mal, en générale… François Ozon adapte un roman de l’écrivain anglais Aidan Chambers, La Danse du coucou (Dance on my Grave), paru en France en 1983, qu’il vaut mieux traduire par « danse sur ma tombe ». Un roman qui, dit-il, l’avait fortement marqué.

- Benjamin Voisin - Félix Lefebvre (c) J-C Moireau Mandarin Production -

- Benjamin Voisin - Félix Lefebvre (c) J-C Moireau Mandarin Production -

C’est l’été, en 1985. Alors que Taxi Girl cherche le garçon depuis un an, Alex (Félix Lefebvre) se cherche lui-même sans se trouver vraiment. Sa rencontre fortuite avec David (Benjamin Voisin) à la suite du chavirage d’un petit dériveur où il a trouvé refuge sans se méfier de l’orage qui monte, au large du Tréport, va tout emporter. Après l’avoir remorqué, David emmène Alex prendre un bon bain chaud et des vêtements secs chez sa mère (Valéria Bruni Tedeschi). Instantanément, il chavire pour le jeune Alex. Durant 6 semaines, jusqu’à l’issue fatale dévoilée dès l’ouverture du film par Alex lui-même, menotté au poignet d’un gendarme dans le couloir d’un tribunal, les deux garçons sont vivre une forte attraction, une histoire passionnelle, jusqu’au désastre.

François Ozon caresse avec douceur dans une lumière de bord de mer où rien des symboles des années 80 ne manque – mention spéciale pour la bande-son qui ravira les quadras-quinquas - les corps et tempéraments de ces deux jeunes adultes à peine sorti de l’adolescence. L’effet est saisissant dès les premiers plans, grâce à une image traitée façon pellicule, donnant du grain (à moudre) au spectateur dont certains peuvent voir dans Été 85 un teen-movie dont il emprunterait, paraît-il, les codes. Rien n’est moins sûr.

Père récemment décédé et mère juive un poil envahissante pour l’un (David) ; père certes présent mais complètement à côté de la plaque et mère inquiète du devenir de son petit qu’elle ne voit pas grandir pour l’autre (Alex), le film emprunte aussi les chemins de traverse de la post-adolescence où la fureur de vivre prend sa source dans un passé familial sur lequel les deux jeunes semblent surfer, mais qui les rattrape au détour de quelques scènes finement pensées. De là surgira la promesse : si l’un de nous deux venait à mourir le premier, le survivant promet d’aller… danser sur sa tombe.

Si l’on songea, avant d’aller voir le film, aux ambiguïtés filmées par André Téchniné avec Quand on a 17 ans, (2016, avec Kacey Mottet Klein, Corentin Fila), ou aux Roseaux sauvages en 1994 (avec Gaël Morel, Stéphane Rideau, Élodie Bouchez), une fois au cœur d’Été 85 rien de semblable finalement. La première partie est véritablement lumineuse, joyeuse, « et en même temps » tragique puisque le drame nous était annoncé dès le début. Ozon a néanmoins le bon goût de ménager le suspense jusqu’au bout, à l’issue d’une seconde partie qui perd un peu en intensité après l’absence de David (Benjamin Voisin), qu’on espère revoir bien vite !

Demeure longtemps après le générique de fin l’intense questionnement de cette jeunesse folle d’elle-même, amoureuse de vivre à en mourir, prête à tout pour essayer, si possible, de prendre son envol en donnant tout, jusqu’à la vie. Sans penser que la pesanteur, elle aussi, peut rejoindre la grâce et clouer au sol ces albatros d’une insolente jeunesse…

 

Été 85, de François Ozon. 1h40. Avec : Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Valeria Bruni Tedeschi, Melvil Poupaud, Isabelle Nanty. Sortie le 14 juillet 2020.

- Benjamin Voisin - Félix Lefebvre (c) J-C Moireau Mandarin Production -

- Benjamin Voisin - Félix Lefebvre (c) J-C Moireau Mandarin Production -

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De Gaulle : l’homme seul, entre Yvonne et Charles

12 Mars 2020 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Concentré entre mai et juin 1940, De Gaulle, de Gabriel Le Bomin, évite le piège de la grande reconstitution-fresque historique pour se concentrer sur le moment où l’homme de 50 ans a rendez-vous avec l’Histoire, un destin, et sa famille. Étonnant.

De Gaulle Isabelle Carré, Lambert Wilson (c) ALAIN GUIZARD SND

De Gaulle Isabelle Carré, Lambert Wilson (c) ALAIN GUIZARD SND

Imagine-t-on le général De Gaulle embrasser sa femme – Yvonne – lui caresser la cuisse, ou poser une main affectueuse et virile sur la nuque de son fils Philippe ? On connait cette photo – une des rares intime – où Charles de Gaulle, endimanché et enfoncé dans un transat sur une plage comme s’il allait au bureau, tient dans ses bras sa fille Anne, trisomique, décédée à 20 ans et qui compta tant pour lui. Une autre le montrant avec Yvonne sur une plage d’Irlande après avoir quitté le pouvoir, dans une ambiance de fin de règne. Pour le reste : rien, ou si peu. L’icône absolue de l’Histoire de France du XXe siècle se prête-t-elle à la fiction ? Jean-Pierre Meleville le représentait de dos dans L’Armée des ombres en 1969. Bernard Stora en 2005 avait offert la possibilité à Bernard Farcy d’incarner le Grand Charles, moitié documentaire, moitié feuilleton. Imagine-t-on davantage le général De Gaulle en proie aux doutes et aux atermoiements familiaux liés au conflit entre le destin de la France, le sien propre et celui de sa femme et ses enfants ?  C’est en tout cas le pari fait par le réalisateur Gabriel Le Bomin, auteur de Nos patriotes en 2017, qui s’est lancé avec ce De Gaulle dans une aventure un peu hors norme il faut le reconnaître mais sans pour autant sombrer dans l’obsession de la fresque historico-politique de 30 ans de vie publique du général. Le film tient tout entier dans les deux mois qui précèdent l’appel du 18 juin, dans cette France abattue jetée début juin 40 sur les routes de France avec valises et matelas sur le dos, charrettes et autos croulant sous les bijoux de famille que beaucoup tentaient de sauver, au péril de leur vie. Face à un gouvernement dirigé par Paul Reynaud qui change d’avis comme de chemise (excellent Olivier Gourmet), De Gaulle, qui n’en fait qu’à sa tête nouvellement coiffée d’un képi de général de brigade, s’envole pour Londres où un autre têtu va lui ouvrir les portes de la BBC, un certain Winston Churchill (campé par Tim Hudson).

De Gaulle Isabelle Carré, Lambert Wilson (c) Alain Guizard SND

De Gaulle Isabelle Carré, Lambert Wilson (c) Alain Guizard SND

Ce dernier a été moult fois incarné à l’écran, entre cigares et whisky, mais très peu De Gaulle. Lambert Wilson s’attaque au mythe, et réussi la prouesse de quasiment y parvenir, la voix en moins, et c’est parfois ce qui manque. L’avouera-t-on ? "On a été déçu, mais en bien", comme disent nos cousins suisses. Peut-être parce que Lambert Wilson ne se prend pas pour Dieu le père – en l’occurrence le général. Cette retenue - trop, parfois, comme s’il hésitait se rendant compte du vertige provoqué par la tâche ? - en rencontre une autre. Celle d’Isabelle Carré, campant Yvonne De Gaulle avec juste ce qu’il faut de sensualité et de gravité dans les rides d’un front discrètement plissé, pour nous faire oublier la vraie Yvonne, celle qu’on voyait sur une photo servir une louche de soupe à son général de mari, le soir après le boulot.
 

Le trait d’union, c’est Anne. Les différentes jeunes actrices qui la campent – vraies trisomiques – sauront-elles un jour l’importance du rôle qu’elles ont joué ? Sans aucun doute elles le savaient déjà. Dans la vie du grand Charles et d’Yvonne, en tout cas, on sait combien cette petite fille fragile a compté. C’est en la promenant et lui tenant la main que, paraît-il, lui venaient les idées. Celles de Gabriel Le Bomin et de sa scénariste, Valérie Ranson Enguiale, en réalisant ce De Gaulle montrent qu’on peut désormais s’attaquer à la légende avec un scénario bien ficelé, en choisissant surtout un acteur qui demeure droit dans ses bottes, sans s’étourdir en se prenant pour Dieu…

F.S.

De Gaulle Lambert Wilson (c) ALAIN GUIZARD SND

De Gaulle Lambert Wilson (c) ALAIN GUIZARD SND

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(en ) Marche avec les loups

24 Janvier 2020 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Le réalisateur haut-alpin signe un troisième film, le second sur une passion dévorante, comme l'animal lui-même : le loup. Il essaie de coller au train d'un jeune subadulte afin de percer le mystère de ses pérégrinations géographiques aléatoires. En vain ?

- Marche avec les loups (c) Gebeka Films -

- Marche avec les loups (c) Gebeka Films -

Réalisateur de la Vallée des loups en 2016 (200.000 spectateurs et de nombreuses projections suivies d’un débat, preuve que le film avait trouvé son public), Jean-Michel Bertrand a remis ça avec Marche avec les loups, qui tente de suivre sur près de 300 km un jeune loup venant de quitter la meute pour créer son propre territoire, à la recherche d’une jeune femelle et fonder à son tour une meute. Plus de deux ans de tournage, d’affûts, de fausses pistes, d’attente les pieds dans la neige ou sous le cagnard du plein été pour le résumer en un mot : passionné par ses chères vallées des Hautes-Alpes (le Champsaur et Valgaudemar dans le massif des Écrins), et hypnotisé par le loup, personnage à part entière autour duquel tourne tout le film, à mi-chemin entre documentaire et traque romanesque. Mais cette fois-ci, le propos se fait nettement plus militant que dans la Vallée des loups. Jean-Michel Bertrand s’interroge sur la « cohabitation » entre hommes et loups, plus largement entre le sauvage et le domestique. « Avec la peur du loup, la peur du sauvage ressurgit », explique avec forces belles images l’inlassable lycanthrope, poussant sa curiosité sur les mœurs de l’animal jusqu’à franchir le Rubicon et traverser Grenoble pour s’en aller vers le nord, les grands massifs forestiers du Jura où il a l’intuition que le jeune loup qui vient de quitter la meute alpine s’y trouve.

Des intuitions, Jean-Michel Bertrand n’en manque pas. Cependant, il butte sur un os (de loup ?) : une fois franchit un des cols permettant de s’extraire de la vallée encaissée où il a posé ses caméras qui se déclenche à l’approche du moindre mouvement, il perd la trace du loup, se perd en hypothèses sur le chemin qu’il a éventuellement pris. Ce faisant, il perd un peu ses spectateurs aussi, ce qu’il n’avait pas fait dans le précédent film. La faute probablement aux subterfuges que J-M Bertrand utilise pour nous faire croire à une unité de narration, mais qui ne sont en fait que des astuces du montage pour nous emmener vers le nord. La faute aussi à un militantisme un peu trop appuyé, s’obligeant à expliquer les réactions que suscite la présence du loup chez les éleveurs, les difficultés – réelles cela dit – de la cohabitation entre l’homme et les milieux sauvages. Dommage, ces quelques incartades masquent presque les points forts de cette Marche avec les loups, notamment les mystères de la progression géographique de l’espèce, sur lesquels buttent les meilleurs spécialistes.

 

N’en demeure pas moins un florilège de belles images, où l’on voit aussi le réalisateur se tromper, échouer à la manière d’un pied-Nickelé mais c’est ça aussi qui le rend sympathique et permet l’identification. Il brosse des prise de vues à couper le souffle venues du sol ou avec un drone ; une voix off chantante et rocailleuse qui accompagne, malgré tout, les spectateurs. Jusque dans une cabane typique du Jura où Jean-Michel Bertrand passe l’hiver, et enfin au dénouement en forme de happy end qui pourrait faire oublier que s’il a vraiment perdu la trace du loup, il a comme lot de consolation trouvé celle des lynx, se demandant s’ils peuvent cohabiter. Ou comment masquer la perte de ce qui était à nos yeux plutôt une bonne nouvelle – le retour du loup en France – par une autre : il y a aussi des lynx. De quoi agrémenter les longues soirées d’hiver en rêvant – ou pas – au moment où l’on pourra dire, tout « conte » fait : loup, y es-tu ?

F.S.

 Marche avec les loups, de Jean-Michel Bertrand. Sortie le 15 janvier 2020.

 

Marche avec les loups (c) Gebeka Films
Marche avec les loups (c) Gebeka Films
Marche avec les loups (c) Gebeka Films
Marche avec les loups (c) Gebeka Films

Marche avec les loups (c) Gebeka Films

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Papicha lève le voile sur la liberté chèrement disputée

15 Octobre 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Papicha lève le voile sur la liberté chèrement disputée

Le premier long métrage de Mounia Meddour met en scène, sur fond d’Algérie au début de sa plongée dans la décennie noire, l’histoire d’une jeune étudiante de français qui se rêve styliste. Pendant que les murs s’élèvent autour de la liberté de ces Algériennes, elle invente avec insolence, énergie farouche et une bonne dose d’inconscience, une vie où les étoffes habilleraient les « papichas », les jolies jeunes filles algéroises.

- Lyna Khoudri -

- Lyna Khoudri -

« Couvre-toi avant qu’un linceul ne le fasse ! » intime l’ordre des milices islamistes sur des affiches collées sur les murs d’Alger. Nedjma, étudiante habitant la cité universitaire, rêve de devenir styliste, autant dire que ça n’est guère dans le vent du climat ambiant plus enclin à élever des murs et voiler les femmes. À la nuit tombée, Nedjma et son amie Wassila se faufilent à travers le grillage de la cité et rejoignent leurs meilleures copines dans les boîtes de nuit où elle vend ses créations aux autres papichas. La situation politique et sociale de ce début des années 90 ne cesse de se dégrader, la guerre civile va ravager le pays pendant près de dix ans. Avec une énergie frénétique, Nedjma refuse cette fatalité allant même jusqu’à imaginer un défilé de mode dans l’enceinte de la cité-U, au mépris du danger.
 

Pas un plan sans l’actrice autour de duquel tourne Papicha, Lyna Khoudri, héroïne enragée qui voit ses rêves brisés par les apôtres de la haine qui cherchent à couvrir de voiles les femmes qui ne souhaitent que vivre libres et vêtues d’étoffes à leur goût. Avec une mise en scène au parti pris audacieux autant que systématique de plans très courts et très serrés – au risque de donner le tournis au spectateur et l’étouffer un brin – Mounia Meddour atteint son objectif : montrer la perte progressive de liberté de ces Algéroises pourtant si vivantes. Autour d’elles, les murs de leurs chambres de la cité-U autant que ceux que les nouveaux propagateurs d’un ordre moral et religieux fanatique montent et se rapprochent progressivement. Mais sans parvenir à étouffer totalement l’acharnement, la rage et le panache de Nedjma et ses copines, qui, grâce à ce défilé de mode qui aura bien lieu, ouvre une brèche salutaire dans l’enfermement dans lequel on veut les confiner.

Papicha lève le voile sur la liberté chèrement disputée

L'ironie affleure aussi parfois, malgré la densité et la gravité du film, notamment grâce au détournement du haïk – pièce d’étoffe de cinq mètres de long, vêtement traditionnel des femmes algériennes – en objet de mode grâce à d’ingénieuses retouches et pliures. Tout le contraire du hidjab que veulent leur imposer les émiratis de la péninsule arabique…
Papicha, récompensé au Festival du Film Francophone d’Angoulême pour son scénario, son actrice et par le prix du public, qui ne s’y est pas trompé, trouve sa cible et claque dans la figure comme un film manifeste. Cela n’est probablement pas du goût des autorités algériennes qui l’ont interdit de projection lors d’un avant-première qui devait avoir lieu le 21 septembre dernier – sans explication – mais ne l’empêche pas malgré tout d’être sélectionné pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Difficile pourtant d’ignorer le contenu du film, tourné à Alger avec toutes les autorisations du ministère de la Culture.

 

Quoiqu’il en soit Papicha demeure probablement un des meilleurs films sur les écrans en cet automne 2019, dans lequel Mounia Meddour, qui a fuit l’Algérie au début des années 90, oppose aux violences misogynes la résistance par la couture et magnifie par les étoffes les corps de femmes que les islamistes s’efforcent d’anéantir.

F.S.

Papicha, de Mounia Meddour. Avec : Lyna Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda. 1h45. Sortie le 9 octobre.

 

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Alice et le maire, ou l’évanescence de la pensée en politique

9 Octobre 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Le second film de Nicolas Pariser (1) met en scène Paul Théraneau, maire de Lyon, aux prises avec l’évanouissement progressif de ce qui a fait de lui un conquérant du pouvoir, un édile innovateur et bourré d’idées. Rincé par trente ans de vie politique à serrer des mains, signer des parapheurs et prononcer des discours aux inaugurations de chrysanthèmes, il est à court d’idées. Il engage une jeune normalienne philosophe et finement lettrée pour tenter de lui redonner l’envie de penser, ce qu’il n’a plus le temps de faire, dévoré par le tourbillon de l’action permanente et la vacuité de la novlangue de ses conseillers. Las, la désillusion, de part et d’autre de ces deux touchants personnages, auront raison de l’action, au profit – c’est heureux et si rare – de la pensée qui normalement la précède.

- Fabrice Luchini et Anaïs Demoustier -

- Fabrice Luchini et Anaïs Demoustier -

Le film s’ouvre sur une scène étonnante où la collaboratrice de cabinet Mélinda (Nora Hamzawi) explique à Alice Heimann qui vient d’être engagée (Anaïs Demoustier) son travail auprès du maire de Lyon (Fabrice Luchini) : « Ton boulot, c’est de prendre du recul ». « Ce n’est pas un travail, ça » répond surprise Alice qui n’y connait rien à la politique et se demande pourquoi on l’a fait venir dans cette « lyonnaiserie ». Mais sa force c’est de savoir cerner et penser les enjeux contemporains. Elle fait ce que la quasi-totalité des politiques ne savent plus faire : penser avant d’agir, quitte à être un brin théorique, et c’est un risque à prendre.
 

D’abord peu à l’aise au sein d’un cabinet bien campé par des seconds rôles efficaces – une directrice de cabinet aussi raide que dévouée à la cause du gourou (Léonie Simaga), des chargés de com’ sanglés dans leurs costards bleu marine code couleur de gauche comme de droite – Alice se fond peu à peu dans le rôle qu’on attend d’elle : penser, et faire penser le maire. Sa première note rédigée, ironiquement a pour thème la modestie (un régal). Elle épouse l’agenda de dingue de Paul Théraneau/Fabrice Luchini, commence une conversation entre deux portes, la poursuit dans les déplacements en voiture et la clôt le soir tard dans son bureau.

- Anaïs Demoustier -

- Anaïs Demoustier -

Tout oppose ces deux personnages, si ce n’est la solitude et l’impression d’être à un tournant de leur vie. Paul Théraneau en vieux lion lessivé qui aimerait bien quand même tenter un dernier coup (devenir premier secrétaire du PS et briguer la présidence de la République) ; Alice Heimann en jeune femme d’une génération tiraillée par l’inquiétude, sans véritable envie ni projet, qui a prolongé au maximum ses études autant par scepticisme envers le monde adulte autant que pour ne pas avoir à penser la suite de sa vie justement.

- Fabrice Luchini -

- Fabrice Luchini -

Et ça n’est pas le moindre intérêt d’Alice et le maire de Nicolas Pariser : grâce à la rencontre platonique de ces deux roseaux pensants perdus dans leurs univers respectifs, le film donne à penser sur l’articulation entre réflexion et action, entre théorie et pratique du réel, et crise actuelle de la démocratie.
Une hauteur de vue, un recul et une réflexion au quotidien qui manquent cruellement aux hommes et femmes politiques de nos jours, justement, dont la vacuité des discours et l’inefficacité  de leur action se noient dans l’évanescence et le scepticisme ambiant.


« Je préfère recourir à la tradition philosophique plutôt qu’à un coach » dira Paul Théraneau/Fabrice Luchini avec ce qui lui reste de lucidité lors de leur premier rendez-vous. Avec une certaine légèreté, la précision des dialogues finement ciselés et de la fluidité dans le récit, Alice et le maire offre aux spectateurs une réflexion charmante et pas du tout ennuyeuse de la vie politique contemporaine, aux antipodes de celle-ci dans le réel, justement.
F.S.

(1)    Le Grand jeu en 2015, sur l’affaire de Tarnac.

D'autres chroniques cinéma à lire ici : Au nom de la terre (Édouard Bergeron) / Ceux qui travaillent (Antoine Russbach) / Deux moi (Cédric Klapisch) / Once upon a time in Hollywood (Quentin Tarantino) / Une fille facile (Rebecca Zlotowski).

 

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Une Fille facile : un conte cruel de fin d’été, sur la plage abandonnée…

28 Août 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

De Rebecca Zlotowski. Avec : Mina Farid, Zahia Dehar, Benoît Magimel… 1h32.

- Zahia Dehar et Mina Farid (C) Julien Torres  Les Films Velvet -

- Zahia Dehar et Mina Farid (C) Julien Torres Les Films Velvet -

Pour son quatrième long-métrage, Rebecca Zlotowski signe avec Une Fille facile un film sensuel, suave dans lequel deux jeunes femmes de 16 et 22 ans croquent la pomme du désir, de la séduction et de la convoitise à Cannes le temps d’un été. Avec l’ex escort-girl Zahia au physique proche de ce que fut Brigitte Bardot en son temps, et la candeur tout autant que le sérieux de la jeune première Mina Farid. Troublant, et envoûtant.
 

Dès le début d’Une Fille facile, Rebecca Zlotowski (1) plonge le spectateur dans l’univers d’un conte cruel où l’on sent que l’illusion va servir de trame à une lutte interne toute autant qu’une lutte extérieure pour posséder ce qui est beau, et les signes extérieurs de richesse accompagnent cette beauté illusoire. L’emballage est on ne peut plus séduisant : la côte cannoise et sa lumière crue ; le physique de l’actrice principale Zahia Dehar…

- Lakdhar Dridi et Mina Farid (C) Julien Torres  Les Films Velvet -

- Lakdhar Dridi et Mina Farid (C) Julien Torres Les Films Velvet -

Le film commence fin juin, à la fin des cours. La jeune Naïma (Mina Farid) fête ses 16 ans avec ses potes du lycée, dont le (ou la ?) très énigmatique « Dodo » (Lakdhar Dridi). Sa cousine Sofia (Zahia Dehar) débarque chez elle quasiment sans prévenir, gonflée du désir de vivre, de sexualité libérée et du regard des hommes. Elle va promener sa chute de reins vertigineuse avec sa jeune cousine sur la Croisette dans des tenues époustouflantes, de plages en plages et de boîtes de nuit en boîtes de nuit. À force d’écumer le bord de mer en tortillant des fesses, elles rencontrent Andres (Nuno Lopes) et Philippe (Benoît Magimel), un collectionneur d’art et son entremetteur qui ne tardent pas à les faire monter sur leur yacht. Sofia détourne peu à peu l’adolescente de sa réalité quotidienne, lui ouvrant un monde où le luxe, l’opulence, la haute couture et les objets de luxe se monnaient contre du sexe. Cette monnaie d’échange attire Naïma autant qu’elle la redoute, pas encore suffisamment prête à emboîter le pas de sa cousine, dont les courbes insolentes et le verbe indolent font irrémédiablement penser à Brigitte Bardot dans Et Dieu créa la femme de Roger Vadim et davantage encore Le Mépris de J-L. Godard ("et mes cuisses, tu les aimes mes cuisses ?"). 

- Benoît Magimel, Mina Farid, Nuno Lopes, Zahia Dehar (C) Julien Torres  Les Films Velvet -

- Benoît Magimel, Mina Farid, Nuno Lopes, Zahia Dehar (C) Julien Torres Les Films Velvet -

Il semble loin, le temps où Zahia Dehar était la risée de la presse people pour ses frasques d’escort-girl dans le milieu du foot ! En lui offrant le rôle principal d’Une Fille facile, Rebecca Zlotowski prend un audacieux pari : faire de ce mannequin une actrice au jeu, à la fantaisie et la sensualité proche de ce que fut Bardot à ses débuts. Mais en modernisant le personnage : elle possède les codes et tous les attributs contemporains tout en conservant ce qui fit le succès déroutant de « Brigitte » dans les années 50. La sophistication et le naturel mêlé, qui faisaient tourner le regard des hommes en jouant de leur désir, pour mieux les posséder, eux qui croient en leur capacité de possession. Conte cruel d’une adolescence qui ne passe pas et d’un début d’âge adulte où la liberté s’acquiert chèrement, Une Fille facile est un film à étages, comme les plans imaginés par sa réalisatrice, que l’on monte ou descend selon qu’on est riche ou pauvre, parvenue ou éblouie par le luxe et la vie facile, un monde fait exclusivement d’apparences. « Ça te plairait pas d’être une chatte ? » demande Sofia à sa cousine en train de cuire du riz le plus naturellement du monde. Drôle de question en vérité, mais  Sofia fait néanmoins preuve d’une certaine « sagesse » quand elle déclare à sa jeune cousine que « Moi l’amour ne m’intéresse pas – Tout le monde s’intéresse à l’amour ! (Neïma). Pas moi. Moi ce que j’aime, c’est les sensations, l’aventure. Pour moi les sentiments ça ne compte pas du tout, Tu veux que je te donne un conseil ? On doit jamais rien attendre, on doit tout provoquer par nous mêmes, tu comprends ? ».

« Est beau ce qu’on n’a pas envie de posséder, mais d’admirer », dira Benoît Magimel qui joue Philippe, un homme mélancolique tout à la solde du richissime Andres, collectionneur d’œuvres d’art autant que de femmes. C’est sur ce fil tendu entre le désir des hommes et ce que les femmes peuvent leur offrir que jouent Zahia Dehar et Mina Farid. Jusqu’à la rupture. « Elle était partie comme elle était arrivée, sans s’annoncer. Comme une fin de saison. On sait que ça va arriver mais on ne s’en rend compte que le jour d’après » (Mina Farid, alias Neïma). Sofia – la sirène ? - disparaît et le conte se referme, la réalité reprend le pas sur l’illusion. Si celle-ci fait passer au spectateur un bien agréable moment grâce à une belle mise en scène et une lumière méditerranéenne à crever les yeux, elle n’a rien de comique. Elle accentue la cruauté d’un monde qui n’a rien d’imaginaire : beaucoup de jeunes femmes contemporaines des actrices du film en rêvent, et sont prêtes à tout pour y parvenir…
 

F. S.
 (1) Belle épine en 2011 sélectionné pour la Semaine de la Critique à Cannes et César du Meilleur espoir féminin pour Léa Seydoux. Grand Central en 2013 sélectionné pour Un Certain regard à Cannes également. Planétarium en 2015.

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Le Jeune Ahmed

30 Mai 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

De Jean-Pierre et Luc Dardenne. Avec Idir Ben Addi, Olivier Bonnaud, Myriem Akheddiou. (1h24).

- Idir Ben Addi, Othmane Moumen -

- Idir Ben Addi, Othmane Moumen -

Jean-Pierre et Luc Dardenne, habitués de la Croisette et du festival de Cannes (deux palmes d’or en 1999 pour Rosetta et 2005 pour L’Enfant), reviennent une fois encore avec Le Jeune Ahmed, histoire d’un adolescent de 13 ans en voie de radicalisation dans une banlieue belge. Un film tendu, compact, âpre, où l’absence de sourire n’a d’égal que l’immense tendresse que suscite le jeu du jeune acteur déniché par les Dardenne.

Idir Ben Adbdi ne sourit jamais, regarde peu ses interlocuteurs dans les yeux – surtout les femmes. C’est un garçon sérieux, très sérieux, qui ne joue plus, ne rit plus, mais récite par cœur des sourates du coran et ne manquerait sous aucun prétexte ses prières. Endoctriné par un imam de quartier radical, Ahmed ne serre même plus la main de sa professeure, quitte la classe pour aller faire sa prière. Il fait le désespoir de sa mère, qui ne porte pas le hijab, et a un petit penchant pour l’alcool. Bref, selon lui, c’est un « bon musulman », les autres tous des mécréant. Convaincu par l’imam que sa professeure est une « apostat », il l’agresse avec un couteau. Enfermé dans un centre de déradicalisation, Ahmed est coaché par un éducateur et doit se rendre une fois par semaine dans une ferme où il ne goûte guère l’ambiance. Sur place, la fille des fermiers s’entiche de lui, ce qui ne lui fera même pas lever un sourcil et à peine entrouvrir la bouche pour un baiser furtif qui ne fera que renforcer sa culpabilité. Rien ni personne ne semble pouvoir arrêter la funeste trajectoire de ce jeune garçon.

- Idir Ben Addi -

- Idir Ben Addi -

En s’attaquant au thème de la radicalisation, les frères Dardenne signent avec Le Jeune Ahmed  un film comme ils savent et aiment en produire. Tout en plans serrés sur les personnages, mise en scène au cordeau où rien n’est superflu et où rien ne manque (1) ils en sortent une œuvre à vif, la trajectoire impossible à arrêter d’un garçon projeté trop jeune vers le précipice. Personne, pas même les Dardenne, ne parvient à enrayer le phénomène. Pas même sa propre mère, ravagée par ce que devient son propre fils, sous son propre toit et sous ses yeux. A plusieurs reprises il semble sur le point de basculer, sa gueule d’ange ne collant décidément pas avec ce que renferme sa tête, d’où les doutes sortent par tous les pores de la peau. Il en demeure malheureusement une certitude pour lui, jusqu’à la fin qu’on ne dévoilera pas par correction pour le spectateur à qui l’on conseille vivement d’aller voir ce nouvel opus des frères Dardenne.

F.S.

(1)    Prix de la mise en scène du 72e Festival de Cannes.

- Idir Ben Addi, Victoria Bluck -

- Idir Ben Addi, Victoria Bluck -

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Blanche comme neige : Laâge du conte

11 Avril 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Au bout du conte, l’envers du conte, le nouveau film d'Anne Fontaine. Avec Lou de Laâge, Isabelle Huppert, Charles Berling, Damien Bonnard, Jonathan Cohen, Richard Fréchette, Vincent Macaigne, Benoît Poelvoorde...

- Lou de Laâge, Isabelle Huppert. (c) Emmanuelle Jacobson-Roques -

- Lou de Laâge, Isabelle Huppert. (c) Emmanuelle Jacobson-Roques -

Cette Blanche Neige se prénomme Claire (Lou de Laâge), et c’est une jeune femme d’une grande beauté, diaphane et pâle comme son nom l’indique. Orpheline, elle suscite l’irrépressible jalousie de sa belle-mère Maud (Isabelle Huppert), qui va jusqu’à préméditer son meurtre. Sauvée in extremis par un homme mystérieux qui la recueille dans sa ferme perchée dans l’Isère près du sanctuaire Notre-Dame de la Salette, Claire, sensuelle et spontanée, décide de rester dans ce village et va éveiller l’émoi de ses habitants... Sept hommes vont tomber sous son charme, dont quatre vont la croquer comme une belle pomme. Début d’une émancipation radicale pour Claire ; et derniers feux du désir en fin de vie pour sa marâtre qui a tout pour finir brûlée dans les feux de l’enfer.
 

Légère et court vêtue, Blanche comme neige s’en va courir un jogging dans les rues de Lyon, se fait enlever, et se réveille dans une forêt maléfique à faire trembler les enfants à qui on lit des contes de Grimm. Sauf qu’il faudra rapidement censurer l’histoire aux chastes oreilles : Claire – c’est son prénom – assouvit ses désirs – longtemps réfrénés – avec de parfaits inconnus quelques heures auparavant. Tour à tour dépressif, benêt, taiseux ou timide, les quatre « nains » (sur sept) qui cèdent à l’appel de la chair et du vice avec Claire sont autant de faire valoir d’un détournement de conte par Anne Fontaine, dont on se demande bien ce qu’elle a voulu nous montrer, au fond.
 

De beaux paysages de Drôme et d’Isère filmés avec un drone : probablement. Une jolie femme de 28 ans dans la vraie vie, vue dans des séries jusqu’alors, (1788 et demi notamment, et au théâtre dans  Il était une fois... le Petit Poucet, de Gérard Gelas en 2013) : sûrement. Des portraits d’hommes rapidement brossés entre dépression, bêtise et timidité : assurément. On regrette juste un peu que la réalisatrice des Innocentes (avec Lou de Laâge), Gemma Bovery et Marvin ou la belle éducation nous laisse aussi froid que la sensualité de Claire nous réchauffe, entre deux foulées de jogging en bordure des Alpes. Le suspens hitchcockien suggéré par les routes sinueuses perdues dans le brouillard ne se dissipe finalement jamais. Pas sûr que Blanche comme neige trouve son public venu croquer une si belle pomme, pourtant…

- Jonathan Cohen, Lou de Laâge. (c) Emmanuelle Jacobson-Roques -

- Jonathan Cohen, Lou de Laâge. (c) Emmanuelle Jacobson-Roques -

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Dernier amour, ou Casanova désincarné

22 Mars 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Film de Benoît Jacquot. Avec Vincent Lindon (Giacomo Casanova), Stacy Martin (Marianne de Charpillon), Valeria Golino, Julia Roy, Nancy Tate.

- Vincent Lindon, Stacy Martin -

- Vincent Lindon, Stacy Martin -

Giacomo Casanova est au crépuscule de sa vie. En 1785, solitaire et en retrait au château de Dux en Bohême, il écrit ses mémoires, Histoire de ma vie. Une jeune femme rend visite à cet homme à la voix fatiguée. Commence un long flash-back où Casanova raconte comment, trente ans auparavant, il a buté sur la seule femme qu’il n’a pu définitivement conquérir, Marianne de Charpillon, rencontrée lors d’un exil à Londres. Lui qui fut, comme il le dit, « l’ami de toutes », n’aura pu être celui de cette jeune courtisane « infréquentable » comme elle l’avoue elle-même. Elle voulait qu’il l’aime « comme un fiancé ; autant qu’il la désire ». Un amour douloureux qui marqua le début de sa décadence. « J’ai toujours été l’ami de toutes. Sauf une. » Benoît Jacquot met en scène cet épisode de la vie du séducteur italien dans Dernier amour. Et il nous endort un peu, Jacquot…

Dernier amour, ou Casanova désincarné

Car si peu de chair, si peu de désir, si peu d’émotion transpirent de ce Dernier amour de Benoît Jacquot... Quel dommage d’être passé à côté de son sujet, avec pourtant tous les ingrédients pour y parvenir. Un personnage historiquement fascinant (Giacomo Casanova) ; une courtisane de 17 ans ingénue et finement calculatrice, connaissant ses charmes et la faiblesse des hommes qui la font vivre ; les sentiments troubles qui font naître le désir ensuite ; une union impossible ou toujours empêché ; deux acteurs superbes pour les incarner. Las. Bien après le mot "fin", le spectateur attend toujours une émotion, en vain.
 

Malgré cela, Benoît Jacquot apporte à ce Dernier amour des ingrédients qui le sauvent : une photo soignée, la mise en scène de Londres au XVIIIe siècle précise, de subtils éclairages et des cadrages rigoureux. Le personnage de Marianne de Charpillon interprété par Stacy Martin (vue dans Amanda  de Mikhaël Hers l’automne dernier avec Vincent Lacoste) a, malgré sa candeur, beaucoup plus d’intérêt dans l’ingéniosité que le héros en déclin, autrefois flamboyant mais déjà sur la fin. Dommage que Vincent Lindon, d’ordinaire donnant tant d’épaisseur à ses personnages, en manque cruellement, faisant de Dernier amour un film certes attendu et désiré comme une fiancée, mais finalement dénué de chair et de sentiments. La débandade. 

F.S.

- Vincent Lindon -

- Vincent Lindon -

- Stacy Martin -

- Stacy Martin -

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Grâce à Dieu (les faits sont prescrits…)

7 Mars 2019 , Rédigé par F.S Publié dans #chronique cinéma

Grâce à Dieu (les faits sont prescrits…)

Le film de François Ozon retrace l’éclatement de l’affaire Preynat, prêtre du diocèse de Lyon qui a abusé d'environ 70  enfants scouts durant deux décennies, et du silence coupable de sa hiérarchie, dont Mgr Barbarin l’actuel archevêque de Lyon, qui l'a laissé dans ses fonctions jusqu'en septembre 2015. Un film tendu, aux limites du documentaire, mené comme un thriller, où l’on voit la quête des plaignants, rassemblés en association La Parole libérée, afin de faire éclater la vérité de faits certes prescrits pour la plupart, mais bien réels pour les victimes qu’ils sont toujours. Grâce à Dieu, dont les avocats du cardinal-archevêque Philippe Barbarin voulaient interdire la sortie le 20 février dernier parce que le jugement n’avait pas encore été rendu, a obtenu l’Ours d’argent au festival du film de Berlin.

Grâce à Dieu (les faits sont prescrits…)

François Ozon voulait filmer « des hommes qui pleurent » (sic). C’est réussi. Pourquoi ça marche ? Parce que les hommes en questions ont tous, dans Grâce à Dieu, quelque chose de l’enfance brisée net sur l’autel de l’impensable. Abusés sexuellement par celui en qui ils avaient toute confiance – le père Bernard Preynat, charismatique aumônier du groupe scout Saint-Luc, fer de lance de la pastorale lyonnaise dans les années 70-80 – Alexandre (Melvil Poupaud), François (Denis Ménochet) et Emmanuel (Swann Arlaud) portent encore en eux la marque de l’agression. Indélébile. Innommable. Incompréhensible. Il en résulte un film abouti, sec, sans cruauté inutile, sans pathos superflu, où les victimes cherchent à se reconstruire à travers « la parole libérée ».


Trois itinéraires, trois personnalités, trois manières de voir la reconstruction après la déconstruction. Il y a d’abord Alexandre (Melvil Poupaud), l’homme par qui tout arrive (François Devaux dans la vraie vie). Père de famille de cinq enfants, à la situation sociale confortable, fervent catholique et habitant un appartement bourgeois de la presqu’île en bord de Saône, se heurte dans un premier temps à l’inertie de l’Église. Il contact et rencontre plusieurs fois la psychologue du diocèse – Régine Maire, son vrai nom – mais le cardinal Barbarin (François Marthouret) ne semble pas prendre toute la mesure de ce qu’il faudrait pourtant faire  sans trop se poser de questions : suspendre le père Preynat de toutes fonctions cléricales, et porter l’affaire devant la justice, même si « les faits sont prescrits », comme il le dira lui-même maladroitement dans une conférence de presse en mars 2016.
 

Il y a François (Denis Ménochet), lui aussi père de famille de 3 filles, ayant lui aussi plutôt bien réussi socialement, après avoir tout refoulé jusqu’au jour où les démarches d’Alexandre viennent le sortir de sa torpeur et le secouer sans ménagement. D’un tempérament plutôt impulsif, furieux, il peine à se situer dans la procédure, oscillant entre envie de coups de communication et nécessité d’avancer pas à pas pour apparaître le plus crédible possible.

- Swann Arlaud, Josiane Balasko - (c) Mars Films

- Swann Arlaud, Josiane Balasko - (c) Mars Films

Il y a enfin Emmanuel (Swann Arlaud), jeune homme qui lui n’a rien construit ou pas grand-chose, « pas de boulot, pas de famille, une relation toxique avec ma copine », des relations avec son père au point mort. De très loin la figure la plus impressionnante des comédiens de Grâce à Dieu, même si Ménochet, Poupaud et Éric Caravaca (Gilles, médecin qui va lui aussi jouer un rôle actif dans La Parole libérée) ne sont pas à la remorque. Emmanuel attend beaucoup de cette lutte du collectif pour se reconstruire, enfin. Mention spéciale au personnage de sa mère, joué par Josiane Balasko, discrètement bouleversante).
 

Seuls les clercs passent à travers les mailles du filet – image insaisissable qu’ils cherchent à donner d’eux-mêmes ? – dans des rôles finalement bien fades, comme perdus une fois que l’échafaudage de la hiérarchie semble s’écrouler. Bernard Verley, qui interprète le père Preynat, donne pourtant le maximum pour entrer dans le personnage qui reste lointain ; que dire du cardinal Barbarin (François Marthouret) qui semble désincarné ? Parti pris d’un film construit sur le seul point de vue des victimes ? Rien n’est de trop pourtant dans Grâce à Dieu de François Ozon, même la réplique lancée par Éric Caravaca (Gilles) : « On ne fait pas ça contre l’église mais pour l’église ». En sortant, on repense aux mots du cardinal Yves-Marie Congar (théologien dominicain expert au concile Vatican II, exposé aux soupçons et sanctions de l’autorité ecclésiales), qui disait : « souffrir pour l’Église n’est rien comparé à souffrir par l’Église ». On ne saurait mieux résumer…

Grâce à Dieu (les faits sont prescrits…)
Jeudi 7 mars, le jugement a été rendu dans le cadre du procès Barbarin, devant le tribunal correctionnel de Lyon. Mgr Philippe Barbarin, cardinal-archevêque a été condamné à 6 mois de prison avec sursis par le tribunal. En janvier dernier, le procureur de la République avait requis la relaxe. Mgr Barbarin a annoncé qu’il remettrait sa démission au Pape François « dans les jours qui viennent ».

 

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